Oswaldo Guayasamín biografie en werken

Oswaldo Guayasamín (1919-1999) is een van de belangrijkste kunstenaars in Latijns-Amerika, wiens werk is geëxposeerd in de meest opvallende zalen van de wereld. Zijn kunst heeft een diep indigenistisch gevoel met een ideologische en picturale houding die kenmerkend is voor het Amerikaanse continent: sociaal realisme.

Geboren in Quito en gevormd onder de traditionele canons van kunst, Guayasamín brak met deze regelingen aan de realiteit van de inheemse volkeren van Latijns-Amerika die leed onderdrukking en de verwoestingen van Keulen en rassenvermenging vangen.

Expressionistische stijl, de creaties van deze Ecuadoriaanse kunstenaar liet zich op de Mexicaanse muralisten in termen van expressiviteit, het gebruik van kleur en kracht voor het zenden, om de kijker te laten het gevoel van de vitale energie van de auteur, en dus hun protest kenbaar maken.

In aanvulling op die inheemse essentie, wordt zijn werk ook gekenmerkt door het zich eigen maken van avant-garde neigingen zoals het kubisme en het expressionisme, zonder het realisme te verliezen door een realiteit van geweld te tonen die hij aan de kaak stelde.

Hij maakte indrukwekkende tentoonstellingen - meer dan 200 personen - in de belangrijkste musea ter wereld, zoals Frankrijk, Spanje, de voormalige Sovjet-Unie, Tsjechoslowakije, Polen, Mexico, Chili en Argentinië.

Guayasamin is ook bekend van wereldklasse personages bevriend, zoals de dichter Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, koning Juan Carlos van Spanje, Gabriel Garcia Marquez en Caroline van Monaco, onder anderen, die hij portretteerde.

In 1991 erkende de regering van Ecuador het productieve werk van de kunstenaar en zijn bijdrage aan de wereldkunst, dus besloot hij de Guayasamín Foundation te creëren, waaraan de schilder al zijn creaties en kunstverzamelingen schonk.

index

• 1 Biografie
  • 1.1 Internationalisering
  • 1.2 Aanwezigheid in grote gebouwen
  • 1.3 Belangrijkste erkenningen en overlijden
• 2 Werkt
  • 2.1 Het pad van huilen
  • 2.2 De tijd van woede
  • 2.3 Van de tederheid
• 3 referenties

biografie

Oswaldo Guayasamin werd op 6 juli 1919 in Quito geboren en was de oudste broer van een gezin van tien. Zijn vader, José Miguel Guayasamin, was een inheemse stam uit de Quechua-stam; terwijl zijn moeder, die de naam Dolores Calero beantwoordde, mestizo was.

Van jongs af aan toonde hij zijn liefde voor de schilderkunst door tekenfilms van zijn klasgenoten te maken en door de posters van de winkel te maken dat zijn moeder rende. Daarnaast schilderde hij foto's op stukjes karton die hij aan toeristen verkocht om zijn studies te betalen.

Ondanks de sterke tegenstand van zijn vader, de jonge Guayasamín ingeschreven aan de School voor Schone Kunsten van Ecuador, die ik vertrok als een schilder en beeldhouwer studeerde af in 1941, ook het ontvangen van de erkenning van het zijn de beste leerling in de klas.

Slechts een jaar na zijn afstuderen slaagde hij erin zijn eerste tentoonstelling te maken in de hoofdstad van Ecuador. Dit monster werd gekenmerkt door zijn karakter van sociale veroordeling, reden waarom veroorzaakte een grote commotie tussen de assistenten en de criticus van de tijd.

Met die specifieke stijl wist de jonge Guayasamin Nelson Rockefeller te boeien, die hem verschillende schilderijen kocht en hem steunde in zijn toekomst.

internationalisering

Na die controversiële tentoonstelling en met de steun van Rockefeller, verhuisde Guayasamin naar de Verenigde Staten, waar hij ook zijn schilderijen tentoonstelde. Tijdens de 7 maanden van zijn verblijf bezocht hij alle musea die hij kon om in direct contact te komen met het werk van El Greco, Goya, Velásquez en de Mexicaanse muralisten Diego Rivera en Orozco.

Met het geld dat hij ervoor zorgde dat hij naar Mexico reisde om een ​​groot leraar te ontmoeten, stond de muralist Orozco, die was geraakt door zijn talent, hem toe om zijn assistent te zijn. Tijdens dit bezoek ontmoette hij ook Diego Rivera en beiden leerden de techniek van frescoschilderen. In Mexico raakte hij bevriend met Pablo Neruda.

In 1945 maakte hij een belangrijke reis: van Mexico naar Patagonië. Tijdens deze reis toerde hij elke stad en elke stad om notities en tekeningen te maken van wat zijn eerste reeks van 103 schilderijen was Huacayñán, dat in Quechua betekent "Het pad van tranen", waarvan het thema gaat over de zwarte, de Indische en de mestizo.

Op deze manier begon al zijn werk te draaien rond de inheemse kwestie, over de onderdrukking en het geweld waarvan de inheemse volkeren slachtoffer waren.

Het monumentale werk Het pad van wenen werd gemaakt dankzij de steun die Guayasamín het Huis van Cultuur gaf.

Deze serie werd voor het eerst tentoongesteld in Quito in 1952 in het Museum of Colonial Art, en in hetzelfde jaar in Washington en in Barcelona (Spanje), tijdens de III Hispano-America Art Biënnale. In dit laatste evenement ontving hij de hoofdprijs voor schilderkunst.

Aanwezigheid in grote gebouwen

Naast monumentale tentoonstellingen in de belangrijkste musea van de wereld, is het werk van Guayasamín ook aanwezig in grote gebouwen.

Bijvoorbeeld, een Venetiaanse glasmozaïek-muurschildering is sinds 1954 in het Simón Bolívar-centrum in Caracas, dat wordt genoemd Eerbetoon aan de Amerikaanse man.

Voor zijn geboorteland maakte hij in 1958 twee indrukwekkende muurschilderingen. De eerste is De ontdekking van de Amazone-rivier, ook gemaakt in Venetiaans mozaïek, dat zich in het regeringspaleis van Quito bevindt. De andere werd uitgevoerd voor de Law School van de Centrale Universiteit van Ecuador, die de naam krijgt van Geschiedenis van mens en cultuur.

In 1982 werd een muurschildering van meer dan 120 meter die Guayasamín met marmerstof en acrylverf schilderde, ingehuldigd op het Barajas-vliegveld in Madrid. Dit monumentale werk bestaat uit twee delen: de ene is opgedragen aan Spanje en de andere aan Amerika.

Zijn werk is ook aanwezig op het hoofdkantoor van Unesco in Parijs en Sao Paulo. Ook sieren de monumenten Ecuador: Naar het jonge thuisland is in Guayaquil en Aan het verzet in Quito.

Belangrijkste erkenningen en overlijden

Dankzij zijn productieve werk, zijn karakter van sociale veroordeling en zijn universele transcendentie, ontving Guayasamín vele onderscheidingen en erkenningen voor zijn carrière.

Zijn werk is wereldwijd erkend, waardoor hij in 1957 de Best Painter Award ontving in Zuid-Amerika, dat de Biënnale van Sao Paulo, Brazilië, kreeg toegekend. Dit betekende de consolidatie van zijn internationalisering.

In 1976 richtte hij samen met zijn kinderen de Guayasamín Foundation op om zijn artistieke erfgoed aan Ecuador te schenken. Via deze stichting was hij in staat om drie musea te organiseren: Pre-Columbian Art, Cologne Art and Contemporary Art.

Hij werd benoemd tot lid van de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten van San Fernando in Spanje en erelid van de Academie voor Letteren van Italië. Hij werd ook benoemd tot vice-president en vervolgens tot president van het Huis van Cultuur van Quito in 1973.

Bovendien was hij de eerste Latijns-Amerikaanse kunstenaar die een onderscheiding van de regering van Frankrijk ontving; dit gebeurde in 1974.

Hij stierf op 10 maart 1999 zonder zijn grootste werk te voltooien, De mannenkapel, die door de kunstenaar werd bedacht als een eerbetoon aan de mensheid, in het bijzonder aan het Latijns-Amerikaanse volk. Het is een kunstmuseum gebouwd in Quito dat Latijns-Amerikaanse kunst van Mexico tot Patagonië bijeen wil brengen.

De eerste fase van de monumentale architecturale ruimte werd ingehuldigd in 2002. Unesco noemde het "prioriteit voor cultuur", en daarom heeft het vele bijdragen ontvangen van andere staten en andere vooraanstaande kunstenaars ter wereld.

werken

De productie van Guayasamín wordt vanaf het begin gekenmerkt door zijn diepe indigenistische geest en is geladen met een hoog gehalte aan sociale veroordeling. Op deze manier was hij in staat om de grenzen van traditionele kanonnen te overschrijden en een van de meest betrouwbare verdedigers van Latijns-Amerikaanse inheemse volkeren te worden.

Om zijn persoonlijke stijl te ontwikkelen, dronk hij van de invloed van Mexicaanse muralisten, met name zijn meester Orozco. Hij was ook een fervent spreker van het expressionisme, die zijn hele creatie een humanistische snit gaf om de pijn en het leed te weerspiegelen die veel mensen leden.

Op deze manier is het werk van Guayasamín gegraveerd in die stroming van het expressionisme waarin de expressieve realiteit het belangrijkst is zonder de externe realiteit te verzorgen, maar veeleer in de emoties die het in de waarnemer opwekt..

Hiervoor bevestigde deze schilder dat "mijn schilderij is om pijn te doen, te krabben en in de harten van de mensen te slaan. Om te laten zien wat de mens doet tegen de mens. ' Dit is vooral duidelijk in hun misvormde en trieste gezichten die met geweld de pijn van hun mensen overbrengen.

In die zin is zijn werk gecentreerd op de menselijke figuur, met levendige kleuren en sociale thema's.

Ondanks het aanpassen van zijn werk aan de ervaringen en technieken achter de kwast van grote kunstenaars uit die tijd, handhaafde hij altijd de uitdrukking van het menselijke gevoel op zijn doek. Het is zijn hele schepping dat je drie tijdperken kunt onderscheiden, die de volgende zijn:

Het pad van wenen

De Guayasamin Foundation is erin geslaagd om enkele van de eerste creaties van de kunstenaar te verzamelen, die hij begon te schilderen en tekenen op 7-jarige leeftijd. Toen hij 12 jaar oud werd aan de School voor Schone Kunsten, fascineerde hij leraren en klasgenoten met zijn virtuositeit. Op die leeftijd begon hij te werken aan de sociale kwestie die vervolgens zijn hele carrière markeerde.

Wat wordt beschouwd als zijn eerste fase is wat hij zijn eerste serie noemt: het pad van huilen.

Deze fase vindt plaats tussen 1945 en 1952 en is voornamelijk geconcentreerd in de reis die hij met zijn vrienden door heel Zuid-Amerika maakte, waar hij stopte om elke stad te bezoeken om zijn realiteit te vatten.

Dankzij de aantekeningen en tekeningen die hij tijdens de reis maakte, heeft hij de wereld nagelaten Huacayñan, of The Way of Crying, zijn eerste reeks van 103 schilderijen waarin hij het probleem van Indianen, zwarten en mestiezen beschrijft door universele archetypen die voorkomen in scènes met voorouderlijke symbolen, zoals de maan, de zon en de bergen.

Met al zijn universele symbolische lading, was deze serie degene die hem een ​​plaats in de wereldkunsten gaf.

De leeftijd van woede

In deze fase die zich in de jaren 60 ontwikkelde, toonde Guayasamin aan dat de esthetische inhoud niet belangrijk is in zijn werk, maar de sociale inhoud, de boodschap van een man tegen onderdrukking, geweld en lijden.

De oorsprong van deze veroordeling gaat terug naar toen in zijn jeugd een jeugdvriend werd gedood door de repressie in Quito. Vanaf daar begon de kunstenaar de kruistocht om het geweld van de mens tegen de mens af te schilderen om een ​​boodschap van rebellie achter te laten en te vechten tegen vervreemding.

Deze opstand is duidelijk in de ogen van zijn figuren, die om een ​​verandering huilen. Zijn figuren hebben een grimas van pijn, ondanks de sereniteit die ze laten zien, hun handen schreeuwen om hoop. Dit alles wordt weerspiegeld met enorme verticale lijnen om meer pijn te markeren.

Met dit werk schudde Guayasamín de wereld door alle wreedheid van de mens in de twintigste eeuw te benadrukken. Om deze reden slaagde hij erin om tentoon te stellen in de belangrijkste westerse steden van de wereld, waardoor zowel de kritiek als de gemeenschap werd aangewakkerd.

Van de tederheid

Deze cyclus begon in het decennium van de jaren tachtig als een eerbetoon aan zijn moeder, een transcendentale figuur in zijn leven aan wie hij zijn liefde en dankbaarheid verklaarde omdat hij hem altijd ondersteunde.

Deze reeks markeert een verandering in het werk van de kunstenaar zonder dat dit betekent dat de figuren, nu serener dan voorheen, tot op zekere hoogte hun boodschap van opzegging en kritiek verloren.

De leeftijd van tederheid, of Zolang ik leef, onthoud ik je altijd, is samengesteld uit 100 werken waarvan het centrum een ​​eerbetoon is aan zijn moeder; in feite verwijst het in het algemeen naar de moederfiguur inclusief Moeder Aarde.

Deze set wordt ook beschouwd als een mensenrechtenlied. Het is het laatste werk dat hem bezighield, van 1988 tot 1999.

Voor zijn unieke esthetische stijl, maar vooral om zijn onderwerp gecentreerd laat een boodschap van rebellie en hekelt de mensheid, Guayasamín bereikt met zijn kunst buiten de grenzen van zijn geboorteland Ecuador en bezetten een ereplaats in de universele kunst.

Dit was zo dankzij zijn creatie heeft een bijzondere expressiviteit van de tijd dat hij moest leven, om een ​​boodschap over te brengen die het geweten van de mensheid zou doen ontwaken en erin slaagde de roep van rebellie te genereren.

referenties

1. "Biografie" in Chapel of Man. Opgehaald op 10 januari 2019 vanuit Chapel of Man: capilladelhombre.com
2. Buitrón, G. "Oswaldo Guayasamín" (augustus 2008) in "Essays on the image" van de Universiteit van Palermo. Opgehaald op 10 januari 2019 van de Universiteit van Palermo: palermo.edu
3. "Oswaldo Guayasamín, schilder van tranen, woede en tederheid" in Muy historia. Opgehaald op 10 januari 2019 in Muy historia: muyhistoria.es
4. "Oswaldo Guayasamín" in Biographies and Lives. Opgehaald op 10 januari 2019 in Biografieën en levens: biografiasyvidas.com
5. "Oswaldo Guayasamin" in Encyclopedia Britannica Opgewonnen 10 januari 2019 in Encyclopedia Britannica: britannica.com
6. "Oswaldo Guayasamín" in Geschiedenis-biografie. Opgehaald op 10 januari 2019 in Historia-biografie: historia-biografia.com
7. Sciorra, J. "José Sabogal en de identiteit van het tijdschrift Amauta" (november 2013) in de Institutional Repository van de UNLP. Opgeruimd op 10 januari 2019 uit de Institutional Repository van de UNLP: sedici.unlp.edu.ar